что такое реализм в рисовании

Реализм и его черты в живописи: художники, картины и интересные факты

Реализм (realismo, от латинского realis — сущностный, истинный) — направление в искусстве, культивирующее объективную реальность, которое зародилось примерно в середине 19 века. Первым художником в истории, использовавшим данный термин, был Гюстав Курбе.

Реалистическая живопись категорически порвала с академизмом, господствовавшим в важнейших художественных кругах. Основными сюжетами реалистических произведений были сцены из жизни простых людей. Художники старались максимально точно отразить реалии повседневной жизни. Они сохранили свои картины в приглушенных тонах, избегая лишних акцентов. Исторический контекст, определяющий это изменение в искусстве, связан с Февральской революцией во Франции 1848 года, когда граждане защищали свое право на труд, а простым людям было предоставлено право голоса.

Широко понимаемый реализм охватывал множество художественных направлений в различных цивилизациях. Реалистический подход также присутствовал в философских и литературных учениях. Например, в изобразительном искусстве данное направление можно найти в древнегреческих эллинистических скульптурах, точно изображающих боксеров и дряхлых старушек. Работы художников 17-го века, таких как Караваджо, голландских жанровых художников, испанских художников Хосе де Рибера, Диего Веласкеса имеют реалистичный подход. Отдельно существовало похожее направление — натурализм, которое отстранялось как от реализма так и от академизма.

Основные направления реализма

Веризм

Стиль зародился в конце XIX — начале XX веков после объединения Италии. Основоположниками были художники флорентийской школы «Маккьяйоли» — Франческо Паоло Микетти, Джузеппе Пелиза да Вольпедо, которые освещали национально-освободительной борьбы жителей Италии.

Социальный

Данный стиль возник во времена Великой депрессии. Особенностью направления был фокус на социальных вопросах и реальных бытовых трудностях. Известные представители: Бен Шан, Джек Левайн и Джейкоб Лоуренс.

Фотореализм

Направление возникло в США в 60-х годах. Мастера делали фото, а после переносили изображение на холст. Художники-фотореалисты: Ральф Гоингс, Дуэйн Хэнсон, Чарльз Белл.

Гиперреализм

Относительно новое направление. Гиперреалистическое искусство в первую очередь применительно к художникам, работавшим в основном во второй половине 1960-х и 1970-х годов в Соединенных Штатах. Их эстетический стиль характеризовался чрезвычайно точным воспроизведением образа действительности. Известные авторы картин в данном стиле: Ральф Гоингс, Ричард Эстес и Чак Клоуз.

Критический (демократический)

Направление в русском реализме второй половины XIX века, которое возникло в результате революционно-демократического движения после отмененного крепостного права в 1861 году. Основоположником жанровой живописи данного стиля является Василий Петров.

Социалистический

Социалистический реализм, который официально поддерживался марксистской эстетикой в Советском Союзе с начала 1930-х годов до развала страны в 1991 году, имел мало общего с реализмом, хотя предполагалось, что он должен быть объективным зеркалом жизни. Его задача — «правдивость», которая требовалась для идеологии и пропагандистских нужд государства.

Соцреализм в СССР обычно использовал методы натуралистической идеализации для создания образа бесстрашных рабочих и инженеров, поразительно похожих как в героическом позитивизме, так и в отсутствии реалистичности. Направление развивалось также во Франции и Испании. Известные соцреалисты: Евгения Антипова, Исаак Бродский.

Сюрреализм

В данном стиле главная роль отводилась противоречию между реальностью и сновидением. Направление зародилось в 1920 годах, а к основным представителям причислялись: Сальвадор Дали, Пабло Пикассо, Рене Магритт и Фрида Кало.

Прецизионизм (пресижинизм)

Направление, возникшее в Америке 30-х годов. Характерные черты — правдивое изображение городов, четко выверенных и геометричных. Представители: Чарльз Шиллер, Чарльз Демут и Джорджия О’Киф.

Американский

Направление искусства зародилось в начале 20 века. Оно изображает современные реалии общественной жизни и его обитателей. Основоположник Роберт Генри обучал своих последователей изображать простых людей без прикрас. Группа художников из Нью-Йорка получила название «Школа мусорных ведер». В ее состав входили Джордж Беллоуз, Эверетт Шинн и др.

Магический (мистический)

Это художественное направление, которое изображает простые предметы и ситуации, переплетающиеся с фантастическими элементами. Впервые, в 1925 году о нем заговорил немецкий искусствовед и критик Франц Рох. К представителям магического реализма относятся Микалоюс Чюрлёнис, Марк Шагал, Рене Магритт и Фрида Кало.

Источник

Покоряем края, часть I: как придать работе реализма

В каких случаях мягкая кисть усилит работу, а в каких достаточно жёсткой? Как научиться рисовать мягко и почему Крейг Маллинс советует этого не делать?

Что такое край?

Разные края на примере картины Джона Сингера Сарджента «Скалы в Дейр Эль-Бахри», 1891.

Говоря о краях, мы в первую очередь думаем о контурах предметов. На самом деле понятие гораздо шире: края существуют между плоскостями объекта, на границах света и тени, в переходах между цветами и даже очерчивают отдельные мазки кисти.

«Край есть между любыми двумя мазками на картине»
Марко Буччи (Marco Bucci)

Примеры краев, нарисованные Марко Буччи.

Края и тон

Марко не случайно поместил жесткий край между светло-голубым и темным цветом фона: контрасты делают границу визуально жестче. Близкие по тону цвета, наоборот, будут смягчать ее:

Благодаря этому свойству края и тон при правильном использовании способны усиливать друг друга. Одинаково контрастные детали будут выглядеть по-разному, в зависимости от жесткости края. Используя этот принцип стоит помнить, что смягчить край между разными по тону цветами может быть сложнее и выглядеть это будет менее естественно:

Начинающим художникам часто кажется, что наш мир состоит в основном из жестких краев. Это не так: он буквально наполнен мягкими и потерянными краями, роль которых может быть гораздо важнее, чем жестких.

Зачем использовать разные края?

Причин, по которым художник может выбрать тот или иной тип края, может быть всего две:

На первый взгляд, для концепт-художников важнее первый пункт. Поэтому в этой статье мы рассмотрим именно его, а о втором случае читайте в продолжении.

Края помогают строить перспективу

Постепенное смягчение краев по мере увеличения расстояния – одно из свойств нашей атмосферы. Объекты у горизонта теряют жесткость контуров и детализацию – мы уже рассматривали то, как это явление используют в пейзажной живописи. Близкие объекты, напротив, отличаются жесткими краями и контрастными деталями, которые кажутся ближе. По мнению Нейтана Фоукса (Nathan Fowkes), такая игра краями позволяет добиться максимальной глубины в работе:

Смягчение края за счёт тона тоже сопутствует воздушной перспективе – с увеличением расстояния контрастность снижается, тона сближаются и светлеют. В некоторых случаях этого может оказаться достаточно и всю работу можно сделать жестким краем:

А вот пытаться сделать все края мягкими не стоит. Из-за этого зрителю покажется, что изображение не в фокусе. Исключения возможны, но это должно быть осознанным решением.

Импрессионисты часто намеренно избавлялись от слишком жестких краев, придавая картинам воздушность, или же изображая туман:

Клод Моне, «Мост Ватерлоо, Эффект Тумана», 1903.

С похожей целью некоторые разработчики отказываются от жестких краев в графике. В результате получается стилизованная картинка, такая, как на этом концепте игры Limbo:

Края создают иллюзию света и тени

Серия Моне «Мост Ватерлоо» хорошо иллюстрирует еще одну особенность краев: рассеянный и тусклый свет создает больше мягких и потерянных краев, а жесткий и яркий – больше жестких и твердых. Тот же самый пейзаж, в ясный день выглядит совершенно иначе:

Клод Моне, «Мост Ватерлоо, Эффект Солнечного Света», 1903.

Значительную часть жестких краев Моне помещает на свету, в тени же очертания теряются. Тени сильно сближают объекты по тону, в результате края становятся трудноразличимы, часть картины может остаться практически однотонной:

«Утренняя Прогулка» (слева) и «Портрет Эшера Вертаймера» (Asher Wertheimer), Джон Сингер Сарджент.

Несмотря на то, что портрет справа содержит очень много мягких и потерянных краев, он не выглядит незаконченным. Наоборот, чрезмерная детализация теней была бы ошибкой, которую, по словам Крейга Маллинса (Craig Mullins), очень часто совершают начинающие художники. Даже жестко очерчивая значительную часть деталей на этом концепте для Alien: Isolation, художник Edouard Caplain все равно теряет почти все края, находящиеся в тенях:

«Контроль над тенями критичен для хорошей картины. Тени – лучшие учителя для понимания глубины, тона и краев».
Грегори Манчесс (Gregory Manchess)

Совсем забывать о тенях – другая крайность, которой следует избегать. Яркий свет фар на этом концепте Life is Strange 2 привлекает внимание, но именно тени и находящиеся в них края создают иллюзию закатных сумерек:

Смягчение краев характерно не только для теней. Работы в высоком ключе тоже сближаются по тону и легко теряют края. Автор задников для Braid Дэвид Хэллман (David Hellman) пользуется этим, чтобы не перетягивать внимание игрока с персонажей и окружения:

Работа David Hellman

И вновь работа David Hellman.

Края используют для передачи текстуры

Иллюстрация из The Witcher 3: Wild Hunt Artbook, CD Projekt Red

Края некоторых объектов, например, облаков, мягкие сами по себе. Именно с помощью краев художники 19-го века создавали на холсте реалистичные бархатные наряды. На картине Андерса Цорна (Anders Zorn) хорошо видна разница между золотым кольцом, почти целиком состоящим из жестких краев, написанными мягким краем волосами и бумагой, имеющей жесткие края только на сгибах:

«Эмма Цорн читает» Андерс Цорн

Это свойство краев может пригодиться при разработке дизайна персонажей. На этом концепте для League of Legends Джейсон Чан (Jason Chan) создает текстуру металла и волос с помощью жестких краев, а кожу и полупрозрачную ткань – с помощью мягких:

Нужно ли бросать все и учиться работать с краями?

Важность и сила краев, по мнению Бобби Чу и Марко Буччи – это то, к пониманию чего художники приходят, уже набрав определенный опыт. Принципы, описанные в первой части обзора, подходят для начинающих, но Крейг Маллинс советует не слишком увлекаться ими, в первую очередь уделив внимание перспективе, работе с формой и тоном:

«Края переоценены, они не важны. Края – это вишенка на торте. Они совершенно не нужны для того, чтобы нарисовать хорошую картину – посмотрите на художников-графиков».
Крейг Маллинс

Развитое графическое мышление, по мнению Крейга, сильно упрощает понимание работы с краем, которую можно считать более продвинутым уровнем.

Работы Крейга Маллинса часто изобилуют жесткими краями, смягченными за счет правильной работы с тоном.

Как научиться рисовать с помощью только жесткого края и понимать тон, показывает Марко Буччи в этом видео:

Для всех, кто уже уверен в своих силах, мы подобрали несколько упражнений, которые помогут потренироваться перед второй частью статьи.

Упражнение 1. Найдите разные типы краев

Это упражнение научит видеть принципы, описанные в статье, в реальной жизни.

Попробуйте потренироваться искать самые жесткие и самые мягкие края на фотографиях и картинах. Учитывайте, что жесткость может быть относительна: самый жесткий край на картине импрессиониста может быть намного мягче самого мягкого края на промо-арте к игре.

Где на этой фотографии находится самый жесткий край?

Поищите края на других фото: на портретах, пейзажах, натюрмортах. Можно и на картины художников посмотреть.

Учтите, что это задание гораздо проще выполнить с картинами – их авторы уже сделали всю работу и расположили края за вас. Изучение картин поможет понять, как работают мастера, а фотографии научат самостоятельно интерпретировать реальность.

Вы также можете попробовать сделать простые стадики с натуры. Джон Хьюз (John Hughes) советует использовать для этого обычные камни. Рисуя их, можно потренироваться использовать край для передачи текстуры, а также изучить то, как края ведут себя на свету и в тени.

«Стадики» (учебные зарисовки) камей, выполненные концепт-художником Gearbox Software Дэвидом Фортином (David Fortin).

Упражнение 2. Научитесь работать с мягким краем

Это упражнение научит делать края интересными и поможет выработать свой стиль работы кистью.

Самый простой и, одновременно, худший инструмент для этого – мягкая круглая кисть. По словам Марко Буччи, в ней есть что-то стерильное – она делает неинтересные и лишенные текстуры переходы, не похожие на традиционную живопись. Вместо того, чтобы использовать ее, можно:

Варианты мягких краев, нарисованных Джеймсом Дугласом (James Douglas) (слева) и Марко Буччи (справа).

Не бойтесь экспериментировать с разными инструментами и направлением мазков – в этом упражнении важно попробовать найти свой стиль. У каждого художника своя техника работы кистью, поэтому никакого правильного подхода здесь просто не существует.

«Работа кистью – это то, через что вы рассказываете о себе».
Марко Буччи

Упражнение 3. Сделайте таблицы краев разными кистями

Это упражнение научит контролировать кисть и избавиться от ощущения «Вот бы найти ту самую, правильную кисточку».

Жесткая кисть потребует времени, чтобы сделать мягкие края, в процессе будет полезно пользоваться пипеткой, чтобы брать получающиеся промежуточные тона и смешивать их.
Мягким кистям сложнее даются жесткие края, поэтому придется уменьшать ее размеры. В конце можно использовать все понравившиеся кисти сразу.

Созданные Марко Буччи таблицы краев.

Прим. ред. Нужно больше информации? Вот тут можно еще почитать о краях + скоро выйдет продолжение статьи!

Источник

Реализм

Реализм возник во Франции в начале 1840-х годов, расширив представления о том, что представляет собой искусство. Под влиянием многочисленных социальных изменений художники этого направления заменили идеалистические образы и литературные представления о традиционном искусстве реальными событиями, придав им такую же значимость, как и историческим картинам и аллегориям. Художники-реалисты стремились привнести повседневность в свои картины, объединяя искусство и жизнь.

Палитра произведений тяготела к темным, землистым оттенкам, что шло вразрез с идеалами красоты высокой живописи. Художники часто выбирали обличительные темы картин, используя реализм как способ высмеять нравы и ценности буржуазии и монархии. Одним из пионеров стиля стал художник Гюстав Курбе, жестко критикующий власть и институт художественного образования. Его картина «Погребение в Орнане» (1849−50) ознаменовала дебют реализма как новой и значительной силы в европейской живописи.

С развитием газетной печати многие мастера стали использовать страницы прессы для того, чтобы поддержать интерес к своим произведениям и идеям. Художники-реалисты не только бросили вызов государственной системе, но и показали личным примером большие возможности организации собственных экспозиций и павильонов в рамках масштабных выставок. Творческие достижения Курбе и Мане предвосхитили живописные искания, без которых не было бы импрессионизма. Реализм стал источником таких направлений живописного искусства, как фотореализм и гиперреализм.

Знаковые картины художников-реалистов :
«Похороны в Орнане», Гюстав Курбе, 1850
«Купальщицы», Гюстав Курбе, 1853
«Завтрак на траве», Эдуар Мане, 1863
«Сеятель», Жан-Франсуа Милле, 1850
«Клиника доктора Эгню», Томас Икинс, 1889
«Бурлаки на Волге», Илья Репин, 1873

Источник

Реализм как стиль в живописи

Стиль реалистической живописи 19 века распространился почти на все жанры: портреты, пейзажи, натюрморты. Любимые тематики художников-реалистов: картины с жанровыми сценами сельской и городской жизни рабочего класса, крестьян, сцены уличной жизни, кафе и ночных клубов. Реалисты стремились передать мгновение жизни в динамике, максимально правдоподобно подчеркивая особенности внешности действующих лиц, их переживания и чувства.

Картины, изображающие человеческое тело, выделяются чувственностью, эмоциональностью, натуралистичность. Реализм отражает прогрессивное значение и функции искусства. Основоположник стиля, по мнению исследователей – Густав Кюрбе.

Стиль развился в множество подвидов – социалистический, социальный, магический, веризм и другие.

Особенности стиля

Реализм в живописи активно развивался во Франции, Великобритании, России, Италии, США 19 века.

Французские особенности: доминирующим был пейзажный жанр. Художники стремились передать настоящий мир, природу провинции. По мнению живописцев, именно сельские пейзажи демонстрируют «настоящую» Францию.

Живописцы этой эпохи изображали реальных людей, а не идеализированные типы, свободно передавали на полотнах реальные ситуации, лишенные привычной эстетики и универсальных истин.

Временем развития был 19 век, а наиболее видные представители: Жан-Франсуа Милле, Гюстав Курбе, Оноре Домье. Интересным примером реализма в России считаются работы русского художника Ильи Репина. Выделяются картины : тяготение к натурализму и импрессионизму позволило создать узнаваемые, уникальные работы.

Реалистическое направление стало результатом развития импрессионизма, натурализма, романтизма. Сильное влияние импрессионизма наблюдается во Франции.

Основные школы стиля в течение 19 века представлены:

Многочисленные художники создавали картины в комбинированных стилях. Например, Дега и Жерико соединяли особенности реализма и романтизма в создании пейзажей.

Основные направления реализма

Период конца 19 века – начало 20 столетия заставил живописцев пересмотреть взгляды на суть и глубинный смысл изобразительного искусства. Политические события в мире, мировые войны дали новые тематики для работы и толчок для формирования новых школ живописи:

Веризм

В конце 19 века – вначале 20-го в Италии зародился веризм. Картины достоверно передавали явления и объекты окружающей действительности буквально, без необходимости интерпретации.

Прецизионизм

Развился в США в 20-е годы 20 века. Американские живописцы изображали городские и промышленные ландшафты, используя элементы футуризма и кубизма. Стиль был также известен как «острый фокус-реализм». Наиболее известными представителями направления были Чарльз Шиллер, Чарльз Демут и Джорджия О’Киф.

Социальный

Возник в 1920 е – 1930-е годы 20 века – американское направление времен Великой депрессии. Это натуралистический вид, который сосредотачивается исключительно на социальных вопросах и повседневных трудностях. Наиболее известными представителями были Бен Шан, Джек Левайн и Джейкоб Лоуренс.

Социалистический

Возник во времена эпохи строительства государства СССР, развивался в России в 1925 – 1935 годах. Это форма общественной пропаганды искусства, учрежденная Иосифом Сталиным в период форсированной индустриализации. Монументально-героический стиль искусства в России прославляет советский способ развития общества, человека и труженика в огромных плакатах. Направление развивалось также во Франции и Испании.

Школа Юстон-роуд

Сформировалась в 1938 году, это современная реалистическая группа художников, преподававших или закончивших Школу живописи и рисования в Юстон-роуд (Лондон). Настроены против авангардного искусства, они провозгласили главной задачей изображение традиционных предметов в реалистической манере, делая искусство более социально значимым. Представители: Грэхем Белл, Уильям Колдстрим, Лоуренс Говинг, Родриго Мойнихан, Клод Роджерс.

Beaux Arts Quartet (1952 – 1955 годы)

Был важным местом для развития современной реалистической живописи. Картины были представлены на персональных выставках четырех молодых художников-реалистов Джона Братби, Деррика Гривза, Эдварда Миддледча, Джека Смита.

Источник

Реализм, фотореализм и стиль в рисовании

Ответы на все эти вопросы лежит в самом понятии рисования. Если вы никогда не пытались понять, что такое рисование, выводы могут вас очень удивить!

Стиль? Какой стиль? Я даже рисовать не умею!

Или умеете? Леди и джентльмены, имею честь представить вам незаменимое руководство о том, как рисовать!

Шаг 1

Возьмите что-то, что оставляет отметины при нажиме.

Шаг 2

Надавите этим предметом на материал (что-то твёрдое вроде бумаги, дерева, грязи и т.д.).

Шаг 3

Передвиньте предмет с силой, необходимой для создания отметины.

Это рисунок!

Как мы говорили, есть два определения рисования: создание отметин на материале и создание отметин, похожих на что-то реальное. Путаница в этих двух значениях может быть фатальной для амбициозного художника. Вы знаете, что рисовать легко (растирая карандаш по бумаге), но в то же время вы не можете этого сделать (нарисовать дракона). Разве это не магическое искусство, которым обладают некоторые люди?

Базовый рисунок и рисунок со стилем

Реализм

Наш мозг создаёт реальность, которую мы воспринимаем, из серии неподвижных двухмерных изображений, создаваемых каждую долю секунды. Глубина создаётся путём сравнения двух снимков, снятых в один и тот же момент, но в несколько разной позиции (это не единственный способ создать глубину, т.к. даже одним глазом мы можем достаточно хорошо управляться). Поэтому рисунок можно рассмотреть как «мгновенный снимок мозгом», который вытащили на всеобщее обозрение после того, как прошли момент и место, в котором он был снят.

Из этого вытекает несколько проблем:

Линии слева были совершенно случайны!

Уровни реализма создаются различными элементами, которые наш мозг ищет для распознания. Некоторые из них более важные, чем другие, и у разных людей они различаются.

Наружные контуры

Это первый момент, где появляется стиль. Если что-то является произвольным, каждый может создать свою версию и ни одна из них не будет более или менее правильной сама по себе. Нам нужно найти другой стандарт суждения, и вот что мы обычно делаем: используем ярлыки типа «реалистичный» (очень похожий на что-то реальное), «мультяшный» (экономные линии, символические формы) или «манга» (характерный японский стиль).

Если разница между реализмом и мультфильмом так велика, почему каждый нереалистичный стиль выглядит «правильным» и приятным глазу?

Каждый стиль происходит из искажения реализма

Каждый стиль основан на правилах

Стиль должен быть намеренным

Вы можете подумать: «Вы сказали, что каждый стиль происходит от реализма, но что насчёт абстрактного искусства?».

Может, здесь я выхожу за рамки своей компетенции, но определение искусства настолько неуловимо, что кто-то может назвать пятно из пигментов, брошенных в стену, искусством (только потому, что результат такой случайный и непреднамеренный). И в этом случае я бы не назвала случайность стилем. Даже если бы назвала, определение этого стиля было бы как «рисунок/живопись, которые не были намерением художника». Вам бы хотелось поделиться своим стилем с 2-х летним ребёнком?

Это мама, папа и Приятель. Может, вы не можете их узнать, но это мой стиль.

Пропорция между А и В такая же, как между А+В и А

Адаптация

У адаптации есть и другая сторона. Мы склонны к тому, чтобы воспринимать «нормальными» только те вещи, с которыми мы знакомы. Вот почему правильно нарисованный, но менее известный динозавр может быть воспринят как анатомически неправильный, а кошачья анатомия, применённая к лемуру, может быть оставлена без внимания. Забавный факт: ни четыре ноги, ни уши, расположенные в верхней части головы, не обоснованы больше, чем три ноги и уши на задней части; их можно часто видеть в нашем мире, и поэтому они воспринимаются как естественные.

Длинный полосатый хвост? Есть! Тёмная маска на голове? Есть! Глаза навыкат? Есть! Худое тело? Есть! Всё правильно, должно быть, это лемур

Свет и тень

Первым назначением зрения было чувствовать свет и тень. Мы до сих пор очень чувствительны к ним, и нам не нужны контуры, чтобы видеть формы, когда есть свет и тень. Это может быть следующей стадией в рисовании (заштриховка линиями) или первой стадией в живописи.

Свет, тень и форма, которую они создают, столь же открыты для стиля, как и контуры. Сами размер и форма мазков кистью дают вам шанс создать бесчисленное множество совершенно разных интерпретаций места действия. Когда вы добавляете собственное представление о расположении света и тени, вам не нужно бояться, что получится неузнаваемо. Почитайте больше о свете и тени здесь и представьте, как вы можете использовать все эти правила для создания своего собственного стиля!

Вы можете рисовать реалистично, но не обязаны. Я часто вижу художников, которые преуспели в реалистичном рисовании (контуров) и затем перешли к самым возможным реалистичным цветам, как мы видим их в нашем мире. Это не обязательно, более того, это приближает вас к скучному фотореализму! Проблема с фотореализмом (позже мы поговорим о нём) в том, что этот стиль выглядит идентичным вне зависимости от того, кто его применяет. Если вы хотите уникальный стиль, который будет принадлежать только вам, экспериментируйте с правилами. Вам нужно их изучать, конечно, изучать природу и объекты вокруг вас, но потом изменяйте то, что изучили. Создавайте свои собственные правила!

Детали

На этой «картине» присутствуют только пятна тёмного и светлого цветов То, что вы здесь видите, вы создаёте сами!

Фотореализм

Какая разница между реализмом и фотореализмом? До настоящего времени мы обсуждали мгновенные снимки, сделанные мозгом. Что, если кто-то делает снимок настоящей камерой? Фотографии стали чем-то очень обыденным для нас. Мы относимся к ним как к настоящему отображению реальности, не представляя, что камера не работает в точности так же как наши глаза и мозг. Мы так привыкли к фотографиям, что иногда они кажутся нам более реалистичными, чем сама реальность!

Рельеф под небом в реальности не такой тёмный, и цвета могут быть не такими насыщенными

Рисование из воображения

Что насчёт того, что на самом деле не существует? Возможно ли нарисовать это реалистично или в любом стиле, произошедшем от реализма? Да, но их нужно рисовать в той форме, которую они бы приняли в нашем мире, если бы были реальными. Вы можете сказать: «Но я хочу использовать нереалистичный стиль, к примеру, нарисовать дракона со спичечными ногами и с огромной круглой головой». Хорошо, но обратите внимание на свои слова: «ноги», «голова». Это объекты нашего мира с определённой формой, которую они здесь принимают. Это начальная точка ваших созданий. Вам нужно знать, что такое голова, чтобы её нарисовать, даже если вы хотите создать новый вид головы.

Кстати, хочу прояснить один момент: почему вы не можете что-то реалистично нарисовать, даже если знаете, как оно выглядит? В голове вы можете очень чётко представить лошадь, но на бумаге она будет выглядеть совершенно неправильно. И снова, это ли не отсутствие таланта?

Идентификация

Создание

Ситуация совершенно другая, когда вы сами хотите создать лошадь. Вам внезапно понадобились все эти показатели, и даже больше! Вы начинаете рисовать копыто и внезапно осознаёте, что не знаете, как оно выглядит, даже если вы его можете распознать наглядно. Вот почему тесты с несколькими вариантами ответа легче!

Стиль и критика

Нелогично? Да, но когда вы публикуете свой рисунок, чтобы услышать только похвалу, вы не думаете логично. Каждый может оценить вас, и вы не можете лишить их этого права. Дело в том, что их суждение ничего не меняет в объекте.

Отвечая на вопрос из введения: объективно, нет «лучшего» или «худшего» стиля, пока вы не установите другой стандарт. Стиль не «уродливый», он «недостаточно реалистичен для меня». Однако, могут быть более или менее развитые стили, поэтому воздерживайтесь от использования слова «стиль» как щитом от критики.

Копирование стиля

Подозреваю, что большинство художников с этого начинают, как раз после окончания стадии детских каракулей. Они уверенно держат карандаш (они «хорошо рисуют» в общем понимании), но в то же время их прогресс не такой быстрый, как им хотелось бы. Поэтому вместо того, чтобы учиться у других, они начинают их полностью копировать. Внезапно их рисунки выходят совершенными, и все их любят. Обычно начинают с нанесения контура, затем зрительного копирования и в конечном итоге изучения правил стиля для создания собственных персонажей и получения некоторой независимости. Неужели это настолько неправильно? Давайте выясним:

Против:

Вывод

Источник